Una Eneida en imágenes: Acorazado Potemkin

Una Eneida en imágenes: Acorazado Potemkin, de Serguéi Eisenstein.

Serguéi M. Eisenstein: Bronenósets Potiomkin, Mosfilm, URSS, 1925. 77 min.

Un filme será propicio para retornar una vez más a una de mis favoritas discusiones bizantinas: el viejo debate sobre «la responsabilidad moral» del arte y su relación –o total desligue– con los logros estéticos que llega a obtener. Un debate que encubre una pregunta mucho más polémica (aunque nadie se detenga a pensar en ella): «¿puede haber algo bello a la vez que malo?»

Y como hace seis siglos no había nada mejor que hacer en la vieja Constantinopla que discutir de teología mientras los turcos tronaban sus puertas, me dispongo también a ensayar argumentos inútiles en un mundo en el que cada vez son más audibles –por lo menos en Medio Oriente– las chirrionas trompetas del Apocalipsis. En esta oportunidad (emulando las discusiones que mantuvieron Baarlam y Palamás sobre la distinción entre la esencia de Dios y sus energías participables) me animaré a proclamar la consustancial perversidad del llamado séptimo arte, afirmando además la irremediable influencia que ejercen «esas grandes catedrales de las masas modernas», tal como lo dijera el venerable Padre Leonardo Castellani.    

El arte del siglo XX –eficiente, asombroso, atrapante– estará muchas veces más cerca de la propaganda que en ninguna época. Y el arte del siglo XX y XXI tiene nombre propio: el cine. Una hermosa película entonces puede –como muchas veces ocurrió– estar al servicio de fines realmente aborrecibles, tornando en admirables –con su asombroso despliegue de imágenes– ideas o proclamas inhumanas y nefastas; todo esto al margen de sus grandes éxitos artísticos. En esa tónica, podríamos aludir a la obra maestra de D.W. Griffith: «El nacimiento de una nación» (1915), una de las más grandes cintas de todos los tiempos y un manifiesto a favor del Ku Kux Klan, o a los indiscutibles méritos de la cinematógrafa nazi Leni Riefenstahl. Dejémoslo en claro, frente al teatro o la literatura, el cine resulta pura explosión de sensaciones no dejando casi nada para la imaginación o la reflexión; es así pues que su fácil asimilación e inmediatez resultan tan fascinantes como peligrosas. Es ahí donde entra a colación la película que nos ocupa, considerada por muchos la mejor de toda la historia del cine, y la más grande obra de defensa de un régimen desde la Eneida: «El acorazado Potemkin» (1925).

En 1905 el Imperio Ruso se había envuelto en una desastrosa guerra contra Japón. Luego de la caída de Port Arthur en manos niponas y la derrota en Tsushima la suerte del conflicto parecía estar echado. El derrotismo y las pésimas condiciones de vida que venían siendo impuestas a los sectores populares acabarían por desembocar en la Revolución de 1905 que iniciaría con el asesinato de una multitud de obreros y sus familias luego de unas protestas en las calles de San Petesburgo. La chispa revolucionaria se extendería rápidamente contra la autocracia rusa y no demoraría a extenderse entre los marineros de la flota del Mar Negro. Sería en un viejo acorazado donde se iniciaría una rebelión que tuvo como origen la negativa de los subalternos a comer sopa elaborada con carne podrida. La historia de la gesta revolucionaria del Acorazado Potemkin y de la posterior revuelta en el puerto de Odessa sería aprovechada genialmente veinte años después por Sergei Eisenstein, el más grande de los directores de cine soviético y uno de los más destacados de todos los tiempos.

Resultará paradójico que, mientras la Unión Soviética comenzaba a abrirse paso ejerciendo una brutal represión contra los campesinos, quienes sometidos a una “economía de guerra” eran condenados a hambrunas inconcebibles; la maquinaria de adoctrinamiento ideológico daría pie a un maravilloso film que tiene como motivo fundamental el hambre del pueblo ruso en tiempos del zar: nos encontramos con la propaganda en todo su esplendor e hipocresía. Eisenstein narrará entonces, con crudeza y lirismo nunca antes visto, una historia que pondría –y hasta ahora pone– a flor de piel nuestra solidaridad para con la masa obrera; constituyéndose en un eficiente y hermoso recuento de la gran hazaña del pueblo: esa versión reducida y manipulada de la historia que el marxismo presenta como la descripción definitiva. No por nada Joseph Goebbles, ministro de propaganda de Hitler decía que el Acorazado de Eisenstein era la obra con mayor carga propagandística que jamás había visto, y que estuvo a punto de volverse comunista después de verla. No resultará extraño, también, porque la prohibiría una vez en el poder.    

    

¿Por qué es tan importante «El acorazado Potemkin»? En primer lugar podríamos decir que es pionera en desarrollar un lenguaje cinematográfico, es decir en el hecho que la imagen por sí misma –más aun tratándose de una película muda– narre la historia. Y es que a pesar de ser una película de casi 90 años de edad, su montaje y poderosísimas imágenes son todavía cautivantes para el ojo de un espectador del siglo XXI, tanto así que secuencias enteras del film –como la del coche cuna– son copiadas, reinterpretadas y parodiadas hasta la fecha. Otro gran hito que alcanza es el de gran nivel de dramatismo de sus imágenes y de la historia. El uso de la cámara, y la economía de tomas y planos combinados hacen de la película un portento que no deja de emocionar aún hoy.

Definitivamente, estamos pues ante uno de los más grandes testimonios del séptimo arte; una cinta imprescindible para quien quisiera conocer con mayor detenimiento la esencia misma de este género, y a la vez quiera consultar un documento histórico que da cuenta de una época que, para bien o para mal, ha marcado profundamente a la humanidad.        

    

Cultura enalatada: Ojos Grandes

Cultura enalatada: Ojos Grandes, de Tim Burton

Tim Burton: Big Eyes. Silverwood Films. USA. 2014. 106 min.

Y el Nobel 2016 va para…. Bob Dylan. No hay sorpresa: la apergaminada Academia Sueca (tan afecta al frac y a monarquías que sólo sirven para mantener a flote revistas de farándula) ahora danza al son de la cultura de masas; no resultaría extraño que las próximas premiaciones sean producidas, sazonadas y televisadas por MTV. Y  es que en tiempos de Facebook, Twiter, opiniones a granel y ninguna verdad, es mejor ponerse a buen resguardo y canonizar al gusto popular. Asistimos a la crónica de una muerte anunciada: el arte desde que fuera enlatado por Andy Warthol y lobotomizado por Rotkho y Pollack ahora se ha diluido en graffiti callejero que convive con imprecaciones obscenas, lemas de barra brava, carteles de conciertos chicha y meadas de perro. Todo es arte: la Biblia y el calefón.  

Y sin embargo, la catástrofe ya venía siendo vislumbrada por los artistas más dotados del pasado siglo. Aquellos quienes ebrios de poesía cantaban como cisnes frente al cenit de una Civilización Occidental que había denostado las catedrales góticas para detenerse a admirar  –extasiada–  mingitorios y bicicletas como pináculos de la belleza. Erza Pound, uno de estos profetas cuyo rostro desencajado lo asemejaba a un Jeremías chiflado, y quien –por cierto– no ganó ningún premio Nobel, lanzó sus lúgubres admoniciones en su Canto XLV. En él advertirá como la usura –tal podría ser el título de dicho canto– ha malogrado y prostituido la sublime labor artística. «With usura / no picture is made to endure nor to live with / but it is made to sell and sell quickly». (https://www.youtube.com/watch?v=xn6r2Nm0ZMo)

En esta breve genealogía de la pauperización estética en tiempos recientes (que más corresponde al género del Horror), vale la pena hacer una parada. Se trata de la historia de Walter Keane que bien podría resumir la miseria del arte actual. En Los Estados Unidos de la década de los 50’ se popularizó un artista muy particular: Keane alcanzó inusitada fama pintando «niños tristes de ojos grandes», aquellos que en nuestro país sirven para decorar consultorios de pediatras de provincia o heladerías de barrio. No hace falta decir que estas pinturas, más allá de fungir de postales tiernas, constituyen todo un monumento al mal gusto, o por lo menos resultan un espantajo anodino. Sin embargo –y esto no sorprende– fueron muy acogidos por el público norteamericano luego que Walter Keane desarrollara una agresiva campaña mediática (una de las primeras de su género), que incluyeron lobbies con nada menos que con las Naciones Unidas. La mediatización fue tal que Keane –que antes fue vendedor de seguros– inició la «popularización» del arte vendiendo reproducciones y posters de sus cuadros, cuando la demanda de estos superaba la oferta. Años después se sabría que su esposa Margaret sería la verdadera autora de dichos adefesios, ganándole una suma millonaria por derechos de autor luego de su divorcio. Sin embargo hasta ahora existe la duda, no sobre la autoría, mas sobre el crédito atribuible al éxito de los «Ojos Grandes»: ¿el verdadero valor del arte Keane radicaría en las estrategias de venta del antiguo broker, o residiría en las propias pinturas de la mujer? Quien quiera que viera las obras conocerá la respuesta, aunque no faltará el hipster que citará a Warthol quien se proclamó admirador de los niños de ojos grandes. 

En 2014, aquel factótum del cine de masas llamado Tim Burton hizo suya la historia de los Keane. Este prestidigitador del cine, experto en aderezar el apetito popular con una pátina de patetismo, «hondura» y despliegue visual, haciendo de una historia ramplona y cursi un blockbuster con ínfulas de obra maestra, echó el anzuelo a los niños de ojos grandes de quienes se había confesado como empedernido fanático y coleccionista. De resultas de esta sociedad de artistas podemos apreciar «Big Eyes», protagonizada por el magnífico Christoph Waltz y la desabrida Amy Adams. Demás hay que decir que el nervio del film recae únicamente en su protagonista, aunque el tratamiento cinematográfico es impecable, lo que genera una película ágil y atractiva. Vale la pena verla, con buen ánimo y un poco de indulgencia podremos reconocer en ella los prolegómenos del fin del arte moderno. 

El desierto como poesía del final: El desierto de los tártaros

El desierto como poesía del final: El desierto de los tártaros, de Valerio Zurlini.

Valerio Zurlini: Il deserto dei tartari. Cinema Due, Italia/Francia/Alemania, 1976. 140 min.

 

Es incuestionable la fascinación que sobre nosotros, seres humanos, ejerce la decadencia. La profunda belleza que alcanzan las existencias cuando están por extinguirse, suscita también entre nosotros insondables sentimientos. Ante ella aflora delicadamente el miedo, la nostalgia y la absoluta admiración por el inmenso abismo que esta supone, recordándonos nuestra fragilidad frente lo supremo e inexorable. Así pues, como es más bella la estación cuando llega a su fin, y es hermoso el amor cuando se anuncia su término, así serán más esplendorosos aquellos grandes imperios cuando ya están prestos a caer, cual el sol en su ocaso. 

 

Y si de imperios y decadencia hablamos, es imprescindible que nos refiramos al último de ellos: el magnífico Imperio Austro-Húngaro. En él se conservó –hasta 1918- el último vestigio del Antiguo Régimen, de una Monarquía Católica que hundía sus raíces en el legado de la propia Roma. Reino cuyos ideales y tradiciones aún relucen tenuemente en nuestro lúgubre mundo, cada vez más asfixiado en una hipócrita prosperidad. Sin embargo para inicios del S. XX la suerte del coloso estaba echada. La revolución y la masonería habían dictado su sentencia de muerte y en los confines de su pluriétnico territorio se cebaban levantamientos y conjuras que se consumarían con el asesinato de la emperatriz Sissi, del príncipe heredero Rodolfo y, finalmente, en el del archiduque Francisco Fernando que dio inicio a la Primera Guerra Mundial. A pesar de este trágico desenlace, el refinamiento y la tradición de su corte aún resplandecieron incluso cuando todos intuían el final. 

 

Muchos son los autores que han cantado –directa o indirectamente– al final de uno de los más admirables Imperios. Resaltan entre ellos algunos autores que nacieron en suelo imperial a inicios de siglo, y que tradujeron en su obra la angustia de asistir al veloz desmoronamiento de su mundo: Joseph Roth con su «Marcha Radetzky» (1932) y «La cripta de los capuchinos» (1938); Robert Musil en «El hombre sin atributos» (1930), y Sandor Marai con su «Divorcio en Buda» (1935). Sin embargo, décadas más tarde, un escritor italiano, Dino Buzzati, mantendría la fascinación por la esplendorosa estela del fenecido imperio. Con El desierto de los tártaros (1940) describirá una vez más, y de manera soberbia, el crepúsculo de toda una era. Treinta años después otro italiano, Valerio Zurlini, llevará con éxito la novela a la pantalla grande.

En 1908, el sub-teniente Drogo saldrá a su primera misión. Por un error es destacado a la fortaleza de Bastiano, en el punto más lejano del imperio. La fortaleza se yergue sobre las ruinas de una ciudad arrasada cien años antes por los tártaros. Más allá de la fortaleza sólo existe un enorme desierto. Sobre él vuelcan la mirada los soldados de Bastiano, auscultando la nunca cumplida incursión del asiático invasor. Confiado en que pronto será relevado del puesto y transferido a la ciudad, Drogo comparte la vida con sus peculiares compañeros, casi todos aristócratas que –lejos de un mundo en cambio– se refugian en las antiguas tradiciones militares, aferrados a su dura disciplina y a la siempre esperada llegada de los tártaros. Caballos que llegan a la fortaleza atravesando el desierto; luces en los confines de las áridas montañas; jinetes a los que un solo hombre ha avistado, serán algunas de las señales que empujan a los hombres a resistir el tedio mortal, a fin de encontrar la gloria del enfrentamiento final. Drogo, fascinado por ese quimérico encuentro con el enemigo, cambia rápidamente y sacrifica su juventud en Bastiano, quedándose en la fortaleza aguardando el ataque imposible. 

 

«El desierto de los tártaros» es un film soberbio y sobrecogedor. Durante él se esboza ante nosotros, delicadamente, la personalidad de complejos caracteres, fielmente retratados por consagrados actores: Vittorio Gassman, Fernando Rey, Paco Rabal, Max von Sidow, Jean-Louis Trintigant, Philippe Noiret y Jacques Perrin. Mediante una fotografía de amplias tomas sobre colosales paisajes, se resaltará la angustia de los hombres, minimizados contra la inhóspita naturaleza, en espera de un destino que tarda en llegar. La precisa banda sonora de Ennio Morricone completará el cuadro, amalgamando la historia a la perfección, sumergiéndonos en el drama de forma tan sutil como lo hiciera el teniente Drogo, atrapado de un momento a otro por una fortaleza existente tan sólo por el recuerdo, por la fuerza de un pasado que, inminentemente, amenaza manifestarse plenamente ante nosotros.

Muchos son los poetas que han sido arrebatados por la magia de un mundo en su cenit, y hasta se podría decir que toda la poesía –la mejor– está marcada por la decadencia. No sólo hablamos de Verlaine, Baudelaire o Mallarmé. Los ecos de una lira destemplada resuenan siempre y hasta ahora. En nuestras latitudes el barroco –último esplendor del más grande Imperio Católico– animó la nostalgia de grandes como Martín Adán, Lezama Lima o Mujica Laínez. Así pues, con ellos, abandonémonos al espléndido espectáculo del declive de una edad dorada, observando como la grandeza de los más sublimes ideales se han de sumergir, lenta y bellamente, en el desierto.

Del cine a la hora del lonchecito: Locos de Amor

Del cine a la hora del lonchecito: Locos de Amor, de Frank Pérez-Garland. 

Frank Pérez-Garland: Locos de amor. Tondero. Perú. 2016. 110 min.

Hace algún tiempo ya, cuando gozaba de un tiempo libre que más parecía ocioso, naufragando en la web junto a un querido amigo, hubimos de toparnos con el video completo del Primer Congreso del Partido Comunista del Perú – Sendero Luminoso, allá por el año 89’. Ante nosotros aparecieron esas imágenes tan recordadas en las que Abimael baila “Zorba el griego” mientras arranca suspiros y sonrisitas a sus encandiladas camaradas. Sin embargo, más absurda que esa escena –tan dolorosamente viva en la memoria colectiva del Perú– resultan lo tres minutos anteriores: apreciamos a un Abimael Guzmán que, muy afanoso, posa ante las cámaras entre hoces y martillos de papel lustre mientras, a lo lejos se escuchan las tonadas del hit romántico de Yordano di Marzo: “Locos de Amor”.  Mientras observábamos asombrados como el capo terrorista se deleitaba con las tiernas notas de la canción, mi amigo, en un inusitado rapto de inspiración, exclamaría: “Verdaderamente estos eran unos locos de amor”.

Y es que en las precedentes líneas se comprueba una vez más una tesis que por mucho tiempo había venido madurando en mi mente: Si existe algo como un síndrome nacional del que pocos son inmunes, esta es la música romántica. Las innumerables –y exitosas– emisoras que están consagradas a los edulcorados géneros de 70’ y 80’; el inusitado éxito en nuestro país de melosos nuevaoleros extranjeros que resultan desconocidos en sus propias tierras; la proliferación imitadores de baladistas de la que hacen gala los programas de televisión, son algunas muestras de aquello. El peruano es, en definitiva, un tipo sentimental. Terriblemente sentimental. Y la música romántica es una de nuestras enseñas y a la vez la maestra de una nueva generación de románticos empedernidos. Y es que no podemos escapar a ella, nos persigue en el transporte público, en la sala de espera de un juzgado, en el consultorio del dentista. Todos están locos de amor.   

Justamente, luego de sonados fracasos, la producción nacional ha logrado un acierto al tener en cuenta esta lección. Apartándose por fin de las consabidas fórmulas cinematográficas nacionales: brutal realismo urbano; fracasado derroche de exotismo en clave de “grandes autores”; vulgaridad y chiste fácil con ínfulas de obra artística, Bruno Ascenso y Mariana Silva han apostado por un ligero musical, sin ninguna pretensión, en el que se explota la vocación sentimental de un pueblo. “Locos de amor”, cultura radial peruana llevada al paroxismo, nos presenta cuatro cómicas historias de amores y desamores en el seno de una familia limeña de clase media. Rodada casi íntegramente en la Residencial San Felipe, el film nos ofrece algo totalmente diferente de lo que tondero nos vino mostrando últimamente, integrando hilaridad, música y romance.

La película acierta, justamente donde muchas del medio fallaron. Apuesta por lo simple, cuidando los detalles como la fotografía, el ritmo, la coreografía; y manteniendo lo bueno como las actuaciones de Giovanni Ciccia, Rossana Fernández Maldonado, Gianella Neyra, Lorena Caravedo, etc. Los personajes, familiares y bien logrados, logran todo su efecto: la identificación plena.  

Vale la pena ser vista. Vale la pena, luego, reconocerse en el inconsciente colectivo y reconocerse, sin querer, tarareando una canción que, en otras circunstancias, negaría públicamente conocer. A más de un «exquisito melómano» o «sofisticado hipster» le pesará saber que en lo profundo de su bien educado oído –y corazón– resuena una canción tan populachera como seductora.

Épica Americana: El Renacido

Épica Americana: El Renacido, de Alejandro G. Iñárritu

Alejandro G. Iñárritu: The Revenant. Regency Enterprises, RatPac-Dune Entertainment, Anonymous Content, M Productions, Appian Way. USA. 2015. 156 min.

David Marcial Pérez en su columna del diario español “El País” del 05/02/16, comentó sobre El Renacido lo siguiente:

“La épica, como la democracia, la filosofía o el yogur cremoso, la inventaron los griegos. Los héroes antiguos las pasaban canutas durante sus viajes antes de regresar a casa y cobrarse la dulce venganza. Ulises tuvo que torear con un cíclope, descolgarse hasta los infiernos en busca de un adivino ciego y esquivar a sirenas suicidas hasta que por fin volvió a Ítaca. ‘Nada existe en el mundo mejor que la patria y los padres’, suspiró aliviado el héroe antes de pasar a cuchillo a los pretendientes de su esposa y recuperar la corona.

Iñárritu, propenso a la grandilocuencia, ha colocado en su última película a Leonardo DiCaprio como su particular Ulises. ‘The Revenant’ es un viaje homérico hacia los límites de la resistencia humana, una gesta con aires de western, una historia de testosterona, violencia, hazañas y deslealtades”.

En las líneas siguientes, el crítico abundará en la idea de comparar a “The Revenant” en un poema épico frustrado. Concuerdo con Marcial Pérez tanto en la primera como en la segunda de sus conclusiones, sin embargo mi reflexión llegará a este punto por otros cauces.

La película, recrea magistralmente (y allí reside su valor) la vida de un trampero y explorador norteamericano en el S. XIX. Hugh Glass –personaje histórico cuya vida ha merecido varias adaptaciones en películas y en tiras cómicas– y su hijo mestizo, miembro de la nación pawnee, acompañaron la expedición del general William Henry Ashley como jefe explorador en las inmediaciones del río Missouri, en los actuales territorios de Dakota del Sur y Montana. La expedición tenía como fin la recolección de pieles de castor y de alce. En el proceso son atacados por indios sioux por lo que tienen que huir. En el camino Glass mantendrá un épico encuentro con una osa grizzli –suceso asombrosamente retratado en el film– que lo dejará a merced de sus enemigos y obligado a atravesar en solitario el salvaje territorio norte de los Estados Unidos en busca de venganza.   

Más allá de sus grandes aciertos visuales y técnicos (en los que se resalta la música de Ryuichi Sakamoto), tal como señala el crítico español antes mencionado, a pesar de sus pretensiones el film de Iñarritu es demasiado huero para llegar a ser considerado algo parecido a un texto épico. El mexicano desarrolla sobre el écran una historia chata, en la que los personajes –incluido el protagonista- resaltan justamente por su falta de profundidad psicológica. Esta suerte de “maniqueísmo” de los caracteres, cuya rigidez y opacidad son aparentemente justificadas por la rudeza del colono americano, nos hacen echar de menos a los maravillosos personajes de los clásicos westerns de John Ford; aquellos que, en su hermetismo, brillaban por una compleja personalidad enriquecida por contrastes e incluso contradicciones. Así pues, una buena historia –desde tiempos de Homero hasta nuestros días– es aquella que desciende a las profundidades del alma humana mientras sus personajes regresan, o no, del mismo infierno. Esto último puede ser, al fin y al cabo, simplemente una excusa para lo primero. Finalmente,  en la “épica” de Iñarritu  lo simplón de la historia es compensado por una soberbia fotografía; algo, por otro lado, muy adecuado para los actuales tiempos que corren de culto a la imagen y vaciamiento de los sentidos.

Sin embargo, cabe destacar un punto más en el filme; uno quizás inadvertido por Marcial Pérez. Esta seudo-épica lo es tal por corresponder a lo más propio de la idiosincrasia norteamericana: el espíritu moderno. Uno de los factores por los que la cinta pierde profundidad –y por lo tanto universalidad– es que esta representa la gesta de un individuo y no de una nación. Si en los poemas homéricos el tema de la venganza pone en manifiesto el ser mismo de los pueblos, encarnados en los héroes que los conducen; en el mundo moderno –y en The Revenant– la revancha de un individuo necesariamente se remitirá a una dimensión menos significativa, es decir se agotará en sí misma. La tragedia personal –en todo el sentido del término– devendrá en intrascendente por  focalizada y trivial, por más que la ideología liberal se desgañite pregonando la supremacía del individuo frente al colectivo. En géneros como la novela el efecto de mímesis (la identificación entre el pequeño mundo del lector con las minucias relatadas en la obra) podrá operar como amalgama necesaria para la lectura y, de algún modo, como pauta para el éxito de la obra. Con la épica no funciona así; quizás sólo el genio de James Joyce –y toda su locura– han logrado lo contrario.  

Aquiles, cuando mostraba toda su impiedad y crueldad, siendo reconocido como el más valiente y fiero de los griegos, para luego detenerse a llorar a un amigo muerto con una ternura que bien podría denominarse “femenina”, era algo más que un personaje contrariado: devenía en un arquetipo. Héroes y dioses toman la palabra en los viejos relatos griegos con la fuerza de lo impersonal, lo eterno. El individuo permanece ausente en ellos, hasta el período helenístico, y tan sólo dejando expresa su condición de tal. Los cantares de gesta mantienen esta línea en tiempos de la Cristiandad.  La irrupción del mundo moderno, como es conocido, entronizará a la novela: género burgués por excelencia, en el que la peculiaridad del individuo será exaltada. Sin embargo su peculiaridad tendrá poco que ver con lo que se ha llamado el alma nacional.  Una épica burguesa, o del individuo, es quizás por tanto una contradictio in terminis.

“The revenant” es pues la gesta de un individuo. Y algo más, la gesta de Norteamérica, una nación de individuos, la primogénita de la modernidad y su fiel guardiana. Y es allí, en su particularismo, en que residirá su nimiedad.              

Elogio de la Tradición: Fiesta Transnacional: 20 Años Después

Elogio de la Tradición: Fiesta Transnacional: 20 Años Después, de Wilton Martínez. 

Martínez, Wilton (2012) Fiesta Transnacional: 20 Años Después. Centro de Antropología Visual del Perú. Perú / EEUU. 60 min.

«Tradición» es uno de aquellos luminosos términos que, por el denso significado que encierra, muchas veces resulta incomprensible y oscuro para el que lo trata de asir o sondear. Devendrá luego en una noción que es fundamental y a la vez imposible, tal como si uno quedara ciego tratando de ver directamente al sol de cada día. Hablar de ella merecerá echar mano del juego de espejos –unos opacos y otros más diáfanos– pero que en suma reflejarán en su pequeño ser los destellos de algo superior.  El Hombre y la Tradición son, pues, análogos e insustituibles entre sí para poder acercarnos a un término como a otro. El trabajo etnográfico constituirá entonces una de las más apropiadas maneras para apropiarse de la Tradición en un sentido más universal, a partir de las costumbres locales y particulares de un grupo humano definido   –algo a lo que los romanos llamaban mores, y que aluden a las tradiciones (con minúscula).

«Pinta tu aldea, y pintarás al mundo» señalaba Tolstoi, y lo hacía bien. Es menester, por ello, adentrarnos en el conjunto de manifestaciones culturales que amalgaman e identifican a cada uno de nuestros pueblos para allegarnos más a la tan deseada identidad regional o nacional. La Modernidad, que como apisonadora desde el S. XVII viene propiciando la estandarización del hombre –y su correspondiente degeneración– en virtud a sistemas de pensamiento hegemónicos  e impermeables, y a una cultura reproductora de Hombres-masa; ha erosionado las particularidades locales sustentadas en principios globales (como en la época de la Cristiandad medieval), por una masificación de las peculiares manifestaciones de una región en base de la negación de cualquier noción universalista (V.gr. Cultura de masas y lógica de consumo).   

Es en este contexto que podemos aprovechar «Fiesta Trasnacional: 20 años después», film que ha recogido más de 500 minutos de material de estudio antropológico, realizado por el Centro de Antropología Visual del Perú. En él asistimos a la organización y desarrollo de la Fiesta de la Virgen del Carmen en Cabanaconde, organizada por la comunidad de emigrantes residentes en Maryland Estados Unidos. La familia Quispe Abril regresa, veinte años después, a devotarse en la fiesta retornando a los orígenes. Utilizando la técnica de la Observación Participante, el interlocutor se reduce a la máxima expresión para dar la voz a los propios asistentes de la fiesta, quienes nos hacen partícipes de sus anhelos, temores y alegrías. «Fiesta Trasnacional: 20 años después» es la secuela de «Fiesta Trasnacional» grabada en el 1991, en plena época de caos terrorista y económico, en la que Teodocio y Julia –patriarcas de los Quispe Abril– regresarían a Cabanaconde para participar de la mencionada fiesta.

La cinta constituye, luego, un riquísimo documento que puede ser abordado desde diversas perspectivas y puede responder, a la vez que postular, muchas preguntas. En ella se observan todos los contrastes y la complejidad de la realidad: las discusiones y enfrentamiento entre los recién venidos y los residentes; entre las generaciones que componen a las familias Quispe y Abril, e incluso al discurso de los protagonistas a lo largo del tiempo (1991 – 2011). El ejercicio de poder mediante la representación simbólica (capas de colores, varas, candelas, procesiones, toros) se prestará también para el análisis histórico y las correspondencias o pervivencias de estas costumbres con las procesiones barrocas del S. XVI y la organización del espacio americano en dos Repúblicas. Finalmente, la importancia de la cinta también reside en el diálogo que inicia con los espectadores, cuestionando tácitamente su identidad y sus raíces. Es por esto que, tal como manifestaron los productores, la cinta ha tenido una especial repercusión en el ambiente arequipeño –en donde la redefinición de la identidad es un tema capital y vigente– en los numerosos espacios públicos en que fue expuesto.

Vale la pena destacar, además, la pertinencia del manejo cinematográfico, que sin ser reducido a la simple grabación de acontecimientos, reduce su contenido estético a lo mínimo indispensable para no deformar la verdad científica mediante cualquier artilugio retórico. Esto en contraste con excelentes cintas que como «Sigo Siendo» (2013) han definido más su discurso, restándole amplitud, mediante un soberbio manejo de la fotografía y el escenario. En este caso «Fiesta Trasnacional: 20 años después» fructifica en pertinencia lo que siembra en austeridad.

Una importante producción y un excelente testimonio. Está disponible en Red. «Fiesta Trasnacional: 20 años después» vale la pena ser vista y comentada. Esperamos que los gestores culturales nos concedan, una vez más, un espacio de difusión de la cinta; en especial en espacios descentralizados en los alrededores de la ciudad. Su debate quizás merecerá otra película.

Cuestión de honor: Los duelistas

Cuestión de honor: Los duelistas, de Ridley Scott

Ridley Scott: The Duellist, David Puttnam, EEUU, 1977. 120 min.

Acaba de pasar un aniversario más de Arequipa, y las reflexiones sobre la identidad y el genio de la ciudad están a la vuelta de la esquina: algo justo y necesario. Entre muchas cosas que conforman el complejo carácter del vecino arequipeño una destaca entre las demás por lo lejana que resulta a la sensibilidad moderna, y que resalta a todas luces prestándose algunas veces a la incomprensión, motejando a los habitantes de estas tierras como orgullosos, y llevándosele hasta la caricatura. Hablamos pues del Honor.

«Arequipa ciudad de dones, pendones y muchachos sin calzones» reza el dicho, y lo dice bien. Hablamos de una ciudad donde el sentido del honor entre sus vecinos estaba por encima de la condición (o de la carencia) económica. Así pues, en esa línea, una historia relatada por el Duque de Frías en su «Deleite de la discreción y la fácil escuela de la agudeza» resulta muy particular: «En Arequipa, ciudad de gran pobreza en el Perú, y de tal vanidad de sus vecinos […] Sucedió que llegando a apearse en la posada cierto religioso grave, vio un mozuelo hecho andrajos, díjole: –Há mancebo, tenme este estribo. Respondióle enfurecido: –Há Padre, sabe que habla con N. de tal, y de tal?, arrojándole millones de apellidos. A lo que dijo el religioso: –Pues señor don fulano de tal, y tal, y tal, vuestra merced vístase como se llame o llámese como se vista».

El Honor es un valor casi incomprensible en la sociedad burguesa en la que vivimos, en la cual todas las relaciones humanas están signadas por el dinero y la comodidad a ultranza. Para muestra un botón: las afrentas que antaño sólo se lavaban con sangre (aunque sea un chorrito) ahora se solucionan con cuatro centavos previo engorroso litigio. Y es que desde la legislación, hasta el sereno semblante del «hombre masa» que reproduce esta sociedad a montones, se opone a cualquier otra solución. Existirá pues un film, que además de sus cualidades técnicas y artísticas, reflejará de manera sin par esta condición que el Antiguo Régimen heredó –y aún hereda– a nuestra patria chica a pesar de los influjos liberales.  

A finales del XVIII en las fronteras francesas dos tenientes de la caballería napoleónica, Gabriel Feraud (Harvey Keitel) y Armand d'Hubert (Keith Carradine) se verán envueltos en un duelo luego de una –aparentemente inexistente– disputa. Feraud, vencido en este primer duelo, y malherido aunque no fatalmente lastimado buscará la revancha de manera obsesiva. Sólo la guerra –intermitente más siempre presente– contendrá el deseo de limpiar el deshonor con el sable. Un segundo duelo será casi fatal para d’Hubert, quién, a su vez libre de la muerte, se enfrascará en terminar el asunto. Una serie de enfrentamientos de los dos célebres duelistas a lo largo de su carrera militar y política, y al margen o evidentemente enfrentados con sus intereses familiares y militares, signarán el tenor de la cinta, delineando lentamente un boceto de las complejas personalidades de ambos soldados y haciendo un retrato fiel de la época y de sus convenciones.

“Los duelistas (1977)” es la ópera prima de Ridley Scott, quien se haría famoso por “Blade Runner (1979)” y “Alien, el octavo pasajero (1982)”. En ella el director norteamericano nos regala una deliciosa cinematografía que, acompañada por una cuidada ambientación y vestuario, y que gracias a las excelentes actuaciones de Keitel y Carradine compondrán un verdadero cuadro de época. Acudiendo a las obras pictóricas más importantes de aquel tiempo, la psicología de los personajes será fielmente reflejada por los ambientes y texturas en las que se desarrolla la trama y que –tan sólo comparables a magníficas cintas como “Barry Lyndon (1975)” de Stanley Kubrick– serán exquisitamente retratadas por su cámara, brindándonos un panorama completo de ese período.      

Los duelistas resulta un film altamente recomendable, ya sea por su intensa trama y lo complejo –a la vez que emocionante– de sus personajes, como por la hechura de la obra en sí, que resulta todo un espectáculo a nuestros ojos. Acercarnos a ella, quizás será, entrever algo de nosotros mismo que perdura de aquellos tiempos de valentía, elegancia y compromiso con los ideales.